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sábado, 1 de febrero de 2014

PERSISTENCIA RETINIANA

Desde comienzos del siglo XIX, se ha mantenido la teoría descubierta por Joseph Plateau, de que la persistencia de la imagen en la retina es la causa de que podamos apreciar la imagen en movimiento. No solo es por ese fenómeno visual sino también gracias al cerebro, que enlaza las imágenes provenientes de la retina como una sola imagen móvil y continua, ya que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo posterior al momento en que el sujeto deja de tenerlas delante. Es por esto que podemos ver la realidad como una secuencia de imágenes sin interrupciones de lo contrario veríamos simplemente una sucesión de imágenes totalmente independientes y estáticas.

     Esta característica de nuestro ojo fue aprovechada para el cine y de esta manera poder generar en nuestro cerebro la ilusión de movimiento.  Aunque claro, antes del cine este descubrimiento estimuló la invención de diversas vías para demostrar el principio. Por ejemplo:

TAUMATROPO



ZOÓTROPO



PRAXINOSCOPIO


FENAQUISTISCOPIO




Un disco de fenaquistiscopio realizado en 1893
por Eadweard Muybridge

Vista de espejo simulada por el disco de arriba.


     Esto seria la primera idea del dibujo animado pues, posteriormente se combino un disco fenaquistiscópico con una linterna, y se consiguió que la ilusión del movimiento se proyectara sobre una pantalla.

MUTOSCOPIO



FLIPBOOKS


     Con este análisis podemos enfrentarnos a que en realidad lo que vemos en la Televisión, cine, o videos en internet NO existen, todo es una reconstrucción que nuestro ojo hace.

PERLA GARRIDO CRESPO







domingo, 1 de diciembre de 2013

ENSAYO sobre el libro: "El acto fotográfico" de PHILIPPE DUBOIS

Philippe Dubois hace una profunda reflexión sobre la fotografía y lo que ésta representa como un acto fotográfico.  La fotografía es considerada en el libro como una huella de la realidad y el autor explica a través de una serie de puntos esta afirmación.
 
     Primeramente habla de la fotografía considerada como espejo de lo real, es decir, el efecto de realidad que tiene una imagen está ligado a la semejanza que ésta tenga entre la foto y su referente, es por eso que, la fotografía era considera como la imitación más perfecta de la realidad. En el siglo XIX, se decía que esa capacidad mimética se lograba gracias a su propia naturaleza técnica, es decir, gracias al procedimiento que le permite a la cámara hacer aparecer una imagen de manera automática, sin que intervenga la mano creativa del artista.
 
     Para Baudelaire la fotografía era una simple herramienta de reproducción de lo real, una técnica; mientras que el arte era una creación imaginaria del artista.

     La fotografía considerada como transformación de lo real. Ésta argumentación se empezó en el siglo XX al ver a la imagen fotográfica como imagen de análisis, de interpretación, incluso de transformación de lo real. La foto paso a convertirse en reveladora de la verdad interior y no de la verdad empírica.
 
      La fotografía considerada huella de lo real, es porque la imagen está determinada por su referente: huella de una realidad. Dubois considera a la fotografía además de una huella de lo real, una categoría de pensamiento en donde la imagen fotográfica aparece como una huella luminosa fijada sobre un soporte bidimensional.
 
     Los índex son símbolos que le otorgan significado al objeto que está en conexión real con la fotografía, es decir que mantienen una relación con su referente.
     A lo largo del libro resulta importante destacar toda una serie de consecuencias teóricas que dan pie a que Dubois considere a la fotografía como una huella de lo real o índex.
     La singularidad de la imagen fotográfica resulta importante, como menciona Roland Barthes: “Lo que la fotografía reproduce al infinito no tiene lugar más de una vez, ella repite mecánicamente lo que jamás podrá repetirse existencialmente”; habla de la unicidad que tiene el referente sin importar que la foto sea multiplicable, ya que las copias se obtienen a partir de un mismo negativo, y ese negativo es la foto única.
     La capacidad de atestiguamiento que tiene una fotografía es tan grande que certifica, ratifica y autentifica; quiere decir que una fotografía atestigua la existencia de lo que enseña.

     Toda foto nos enseña el pasado y esta separación temporal hace de la fotografía una representación siempre diferida, entre el objeto y su imagen. El objeto desaparece en el instante mismo que se saca la foto.
     Dubois considera que en la fotografía se producen dos cortes fundamentales:
     El corte temporal: que es de elección única e irremediable, pues dado ese “clic” al obturador ya no se puede intervenir la imagen que se hace. La fotografía es una captación de imágenes instantáneas.
      A partir de este hecho se comienza a desarrollar la paradoja del instante fotográfico.
     De especial interés resultan las consideraciones que hace Dubois al ver  la fotografía como tanatografía, ya que analiza el corte temporal que existe dentro de la fotografía vista como acción. Esta tanatografía nos habla de cómo lo muerto puede expresar lo vivo en el acto fotográfico. Al seleccionar el instante exacto de la foto y guardarlo en álbumes a fin de preservarlo; se está matando para poder guardarlo y que viva para siempre.
     El corte espacial: se refiere a que el espacio fotográfico no está dado, a diferencia del pintor que tiene un bastidor como referencia sobre el que pinta; el fotógrafo, por el contrario debe de sustraer de un solo golpe todo un espacio, cortando lo visible.
      Lo que una fotografía no muestra es tan importante como lo que muestra; el espacio off, como lo llama el autor, siempre está marcado por su relación con el espacio elegido, es un ausente que se sabe presente, se sabe que estaba allí en el momento de la toma.
     Lo esencial, y hace hincapié Philippe Dubois es que al arrancar del mundo un pedazo de espacio, el acto fotográfico hace de éste un nuevo mundo, cuya organización depende del corte realizado.
     Dubois se mantiene más o menos en la posición de Roland Barthes con respecto a la consideración de la fotografía como huella de la realidad. Sin embargo, hace una serie de especificaciones como el considerar que la fotografía solamente funciona como huella en el momento de accionar el obturador; y solo antes y después de ese momento entran en juego distintos  códigos. Por lo tanto, Philippe Dubois considera que la noción de index o huella de lo real tiene una serie de límites. La fotografía no explica ni interpreta; solo busca lograr una fusión con lo real, es muestra de una afirmación de existencia pero no de sentido.
 
 
PERLA GARRIDO CRESPO
 
 

lunes, 16 de septiembre de 2013

PROCESOS FOTOGRÁFICOS

El día 30 de septiembre se ofreció la primera magistral del curso a cargo del maestro Andrea Di Castro dentro de las instalaciones de la ENPEG “La Esmeralda”. La magistral fue muy enriquecedora ya que se vio de manera cronológica la evolución de los procesos fotográficos a través de la historia. Se analizó como se debió pasar por distintas etapas y procesos que permitieron la evolución y el desarrollo, para tener la fotografía que hoy en día conocemos y utilizamos. Estos procesos fotográficos  a inicios del siglo XIX, son absolutamente asombrosos y demuestran que los primeros fotógrafos más que ser artistas eran unos verdaderos alquimistas. 

      El daguerrotipo fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año de 1839. Realmente el inventor de este proceso fotográfico fue Joseph-Nicéphore Niépce, al emplear en 1814 una cámara obscura junto con sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. En 1818 logra obtener  las primeras imágenes de la historia en positivo, aunque con ello sacrifica el poder de reproducción, ya que las imágenes eran imágenes únicas. Sin embargo, tras la muerte de Niépce, Louis Daguerre sé queda con los derechos del invento y lo da a conocer con el nombre de daguerrotipo, quitándole todo el mérito a Niépce como creador original.

 

Cámara para daguerrotipo, 1839.
Primer fotografía por Nicéphore Niépce
 










     Es interesando el conocer exactamente como fue el desarrollo de la fotografía, los inconvenientes que hubieron a lo largo de la historia y todos los experimentos que se lograron con el único fin de mejorar la calidez y la conservación de las imágenes.
     William Henry Fox Talbot, no consiguió pasar a la historia como el padre de la fotografía, pero si lo hizo como el inventor del proceso negativo-positivo, el cual finalmente llegaría hasta nuestros días y que en definitiva, una vez perfeccionado, supuso la base de la fotografía contemporánea. En 1841 llamó a este proceso calotipo, sin embargo, no tuvo mucho éxito al principio porque la gente seguía prefiriendo la nitidez del daguerrotipo.

Calotipo por Talbot (negativo y positivo)
 
     En 1842 surge otro procedimiento fotográfico monocromo, que conseguía una copia en color azul, llamado cianotipo. Sir John Herschel fue quien lo ideo, pero fue Anna Atkins la primera persona en emplearlo para ilustrar su libro: “British Algae”; considerada como la primera mujer fotógrafa de la historia. Este proceso se lograba al utilizar citrato de amonio y hierro y ferrocianuro de potasio; de su mezcla surgía una solución fotosensible a la luz ultravioleta. 
Cianotipo Algas por Anna Atkins 1843

Cianotipo Algas por Anna Atkins 1843    












  
     Era tanta la euforia por conseguir en un tiempo corto imágenes tan precisas y nítidas, superando a la anterior, que muchos se dieron a la tarea de continuar experimentando; es así como continúan apareciendo distintos procesos fotográficos como el colodión húmedo, creado en 1851 por Gustave Le Gray donde la placa en la que se obtenía la imagen debía de permanecer húmeda durante todo el proceso de toma y revelado. Este era uno de sus inconvenientes ya que el fotógrafo tenía que llevar consigo todo el laboratorio fotográfico, al igual que con el ambrotipo que usaba como base la técnica del colodión; descubierta en 1852 por Frederick Scott Archer y Peter Fry, sin embargo, sustituyo rápidamente al daguerrotipo por ser más rápido y económico.

Ambrotipo ingles 1860
     Continuaron surgiendo más procesos como el ferrotipo, el cual era una copia barata del ambrotipo que nunca alcanzo la calidad del daguerrotipo; todos estos procesos fueron indispensables para la evolución y la base de la fotografía. En estos tiempos tecnológicos en los que vivimos se dice que los días de la fotografía análoga  como se conocen están contados debido a la fotografía digital, pero actualmente siguen existiendo fotógrafos y artistas que continúan trabajando la fotografía en su modo tradicional con algunos de los procesos antiguos anteriores.
 
     Alguno de estos artistas son: Jayne Hinds Bidaut, Chuck Close, John Coffer, Adam Fuss, Mark Kessell, Sally Mann, Mark Osterman, France Scully Osterman, Irving Pobboravsky y Jerry Spagnoli, realmente sigue siendo muy interesante el poder ver sus estudios y la técnica con la que trabajan.
 
Perla Garrido Crespo 

martes, 20 de agosto de 2013

¿QUÉ ES LA FOTOGRÁFIA? LIBRO: "Sobre La Fotografía" de SUSAN SONTANG


¿Qué es la fotografía?, es una pregunta que conforme ha ido avanzando el tiempo hemos podido descifrar poco a poco, incluyendo más características y  definiciones según ha ido evolucionando sin pensar solo en la fotografía como concepto, sino también en esa definición que va más allá de ser una actividad para capturar imágenes.
     El diccionario da una definición exacta y algo rígida: “es el arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz”, mientras que  etimológicamente: procede del griego φως (phōs, «luz»), y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura») que, en conjunto, significa "escribir/grabar con la luz".
     Esas definiciones solo logran abarcar la superficie del gran iceberg que en realidad es la fotografía. Su interior y su verdadera naturaleza son mucho más ricos e interesantes.
     Susan Sontag, se han dedicado a mostrar ese verdadero significado. Ella revolucionó el tema de la fotografía con su libro “On photograpy” donde plantea una serie de reflexiones en torno a tal actividad.
     Primero que nada se debe de tener en cuenta que el fotógrafo es ante todo un artista. La fotografía debe "hablar" por si sola, para que cualquier persona que la vea, capte lo que el fotógrafo trata de expresar con una imagen. El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas ya que no siempre fue considerada un arte.  
     Sontag ataca a los críticos que pretenden ver el arte como una imitación del mundo, rechazando las ideas de que las fotografías son una representación realista de la realidad. Ella considera que la fotografía es surrealista. Por otro lado, también habla del valor documental de la fotografía a favor de su objetividad, sin negar las manipulaciones artísticas que realizan los propios fotógrafos. Aunque claro, se debe tener en cuenta que a pesar de la distorsión o la manipulación, siempre existe la presunción de que lo que hay en la fotografía si existió.
     Durante todo su ensayo, Susan Sontag se mueve entre argumentos contradictorios, pero siempre manteniendo el tema de la fotografía en perpetua fluidez: destacando el papel de la percepción.
     Lo cierto es que la fotografía, antes que nada, muestra una manera de mirar. No hay que pensar que es la mirada misma. El fotógrafo realiza una interpretación del mundo tal como lo hacen los escritores o pintores, basándose en su gusto y conciencia. Podría decirse que la fotografía es capaz de mentir.
     El resultado más imponente del empeño fotográfico es darnos la impresión de que podemos contener el todo lo que queremos en la cabeza. La fotografía ha tenido evolución en una sociedad moderna donde las imágenes realizadas por las cámaras son la entrada principal a realidades de las que no tenemos vivencia directa. Se podría decir que la fotografía es el principal medio moderno de ampliación del mundo, ya que se mueve entre diferentes entornos, culturas y clases.
     Esta actividad ha ido cambiando y perfeccionando su mecanismo y sus herramientas pero no su función, hace pocos años se empleaba una película sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean sensores y memorias digitales. Lo que no ha cambiado es la humanidad en su obsesión por coleccionar el mundo en todas sus variantes en forma de imagen, es una de las principales virtudes que se atribuye a la fotografía, siendo utilizada como instrumento para conservar recuerdos, morfología del mundo y personas.
     Susan Sontag desde su propia manera de percibir a la fotografía menciona: “Me di cuenta de que estaba escribiendo no tanto sobre fotografía, sino sobre la modernidad, sobre cómo somos ahora. El tema de la fotografía es una forma de acceder a las distintas maneras de pensar y de sentir de nuestra época. Y escribir sobre fotografía es como escribir sobre el mundo”.
     Justamente esa es la misión de las fotografías, conferir importancia a los acontecimientos y convertirlos en momentos memorables. Esa es la misión de toda fotografía, aspirar a la condición de ser inolvidables y de causar algo en alguien.
 
Perla Garrido Crespo

jueves, 15 de agosto de 2013

EXPERIENCIA PREVIA EN FOTOGRAFÍA

Mi principal acercamiento a sido hacia las artes plásticas, sin embargo, siempre he tenido un gran interés por las artes visuales, principalmente la fotografía. Desafortunadamente no he tenido mucha oportunidad en practicarla desde un ámbito más profesional, simplemente he tenido contacto con ella como un aficionado más. 
 
     En este momento me interesa mucho más experimentar en la parte digital de la fotografía, estoy totalmente convencida que es necesario el conocer y aprender los procesos análogos para entender mejor el funcionamiento digital, por lo que hace unos meses curse la materia de Fotografía Blanco y Negro de la mano del fotógrafo John O'Leary S en la Universidad UNARTE en el estado de Puebla.
 
     En este curso que menciono, me introdujeron  hacia la historia, cronología, teoría y práctica de la fotografía análoga; desde sus inicios con la cámara obscura, así como en la practica al realizar una serie de pruebas en luz y sombra por medio de la fabricación de una cámara estenopeica. Los negativos que surgieron de la cámara estenopeica los aprendí a positivar a través de pruebas de máximo negro - máximo blanco por medio de ampliadoras, así como también la realización de fotogramas e impresiones LUMEN.
 
     Por último y de una manera muy introductoria saque dos rollos de película de 36 exposiciones c/u con una cámara manual tipo 35mm, en donde incluía exposiciones de movimiento congelado, movimiento barrido, movimiento tipo "paneo" y de enfoque selectivo: poca profundidad de campo y mucha profundidad de campo; de esos rollos tuve la oportunidad de revelar 4 fotografías.
 
     Sin embargo, después de mencionar la pequeña introducción sobre fotografía que he tenido en un periodo corto de tiempo me atrevo hacer hincapié en que mis conocimientos son bastante principiantes, pero puedo decir que ya conozco la parte análoga y artesanal por lo que ahora me quiero enfocar más en seguir aprendiendo fotografía pero ahora desde la parte digital, la cual espero y estoy segura me servirá para seguir enriqueciendo mi quehacer artístico.
 
 
Perla Garrido Crespo