sábado, 8 de febrero de 2014

LO PRE-CINEMATOGRÁFICO


La fotografía funciono como cimiento importante para la invención del cinematógrafo, después de lograr obtener imágenes de una manera permanente se comenzaron a hacer los primeros estudios fotográficos del movimiento. En este punto ya no era suficiente hacer visible lo visible sino también lo invisible ante los ojos del ser humano.

     Es aquí donde  Muybridge y Marey logran hacer su mayor aportación tanto artística para el arte contemporáneo como científica ante la obtención de imágenes en movimiento.
     Actualmente podemos considerar sus descubrimientos algo evidentes porque vivimos en un siglo donde tenemos un bombardeo constante de imágenes en movimiento, sin embargo para esa época después del descubrimiento de la fotografía, las imágenes en movimiento y posteriormente el cinematógrafo me parece que debió haber sido considerado como magia y de gran asombro para los espectadores; el poder ver lo que normalmente no se percibe con tanta claridad: el movimiento a partir de imágenes estáticas.

PRIMEROS FILMES

Posterior y gracias a las aportaciones de Muybridge y Marey, se comenzaron a hacer los primeros filmes cinematográficos de la mano de Edison, los hermanos Lumiére y George Meliès.

     A pesar de que los tres experimentaban y buscaban un lenguaje por medio de imágenes en movimiento, desde sus inicios se pudieron diferenciar sus películas entre si. Mientras que Edison en su filme "The Kiss" o en "Serpentine Dances" da una idea mas teatral y de entretenimiento; George Melies esta mas interesado en la parte expresiva, explota y juega más con las posibilidades que le brinda el cinematógrafo creando todo tipo de ilusiones, como en su filme "El hombre de cabezas". Por otro lado, los hermanos Lumiére veían el inicio del cinematógrafo como una tecnología sumamente rentable.

     El ver estos primeros filmes se puede dar idea de la manufactura con la que se realizaron; todos en planos fijos sin movimiento de la cámara.  

PERLA GARRIDO CRESPO








sábado, 1 de febrero de 2014

PERSISTENCIA RETINIANA

Desde comienzos del siglo XIX, se ha mantenido la teoría descubierta por Joseph Plateau, de que la persistencia de la imagen en la retina es la causa de que podamos apreciar la imagen en movimiento. No solo es por ese fenómeno visual sino también gracias al cerebro, que enlaza las imágenes provenientes de la retina como una sola imagen móvil y continua, ya que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo posterior al momento en que el sujeto deja de tenerlas delante. Es por esto que podemos ver la realidad como una secuencia de imágenes sin interrupciones de lo contrario veríamos simplemente una sucesión de imágenes totalmente independientes y estáticas.

     Esta característica de nuestro ojo fue aprovechada para el cine y de esta manera poder generar en nuestro cerebro la ilusión de movimiento.  Aunque claro, antes del cine este descubrimiento estimuló la invención de diversas vías para demostrar el principio. Por ejemplo:

TAUMATROPO



ZOÓTROPO



PRAXINOSCOPIO


FENAQUISTISCOPIO




Un disco de fenaquistiscopio realizado en 1893
por Eadweard Muybridge

Vista de espejo simulada por el disco de arriba.


     Esto seria la primera idea del dibujo animado pues, posteriormente se combino un disco fenaquistiscópico con una linterna, y se consiguió que la ilusión del movimiento se proyectara sobre una pantalla.

MUTOSCOPIO



FLIPBOOKS


     Con este análisis podemos enfrentarnos a que en realidad lo que vemos en la Televisión, cine, o videos en internet NO existen, todo es una reconstrucción que nuestro ojo hace.

PERLA GARRIDO CRESPO







Equipamiento con el que cuento

Equipo fotográfico:

-Cámara Reflex CANON EOS Rebel T3i, puede grabar FULL HD
-Objetivo Zoom EF-S 18-55mm f/3.5 - 5.6 IS II
-Trípode  Sunpak - PlatinumPlus Ultra 7000 2-in-1 70" Tripod and Monopod with bubble level


Por otra parte, el equipo de computo con el que cuento es:


-PC Notebook, marca ASUS Procesador Intel CORE i7 Sistema Operativo Windows 7 Home Premium OA 64 bits. Memoria RAM 6 GB ATI Mobility RADEON HD 5870 Graphics. EAX Advanced HD 4.0  
-PC de escritorio, marca Gateway Procesador Intel CORE 2 Quad Q8300 Sistema Operativo Windows 7 Home Premium 64 bits. Intel GMA X4500 Gráficos Integrados. Memoria 6 GB DDR2 Unidad de disco duro 1 TB. Lector de tarjetas Multi-en-uno Digital Media Manager de alta velocidad.

Expectativas sobre el curso: IMÁGENES EN MOVIMIENTO "Video"

Considero totalmente en que esta segunda parte del curso funcionara como parte de la continuidad del curso I de fotografía y no de manera ajena, teniendo en cuenta que el video es precisamente eso, la  transmisión de una secuencia de imágenes ya sea por medios electrónicos digitales o analógicos que representan escenas en movimiento.

     Nunca he tenido un acercamiento o participación en la parte creativa de este género de imágenes en movimiento o video, hasta el momento mi única función a sido meramente como espectador, sin embargo, mis expectativas son igualmente altas para con el curso.

     Como alumna de artes, no solo plásticas sino también visuales, es necesario que me forme con múltiples herramientas o alternativas que me sirvan para poder expresar mis ideas a través de diferentes medios, y estoy segura que el video, visto como imágenes en movimiento será un gran recurso para lograrlo.

     Al igual que en el curso anterior de fotografía será necesario no solo la parte practica sino también complementarla con teoría que suele ser muy enriquecedora para nuestro propio análisis y reflexión que se pueda generar a lo largo del semestre.


Perla Garrido Crespo

domingo, 15 de diciembre de 2013

Conclusión del curso de fotografía

La fotografía ha ganado un lugar muy importante en el mundo del arte, venciendo comentarios que la catalogaban como una herramienta totalmente mecánica.

     A lo largo del curso se logró obtener una mayor sensibilidad respecto a la fotografía, y saber identificar todas aquellas características principales para lograr una buena composición; además de adquirir conocimientos meramente mecánicos respecto a la velocidad de obturación o apertura de diafragma, aspectos sumamente importantes para posteriormente saber aplicar la parte dinámica y creativa que conlleva la fotografía.

     Todo este conocimiento se ve claramente a través de la evolución clara que muestra la galería de fotos en la cuenta de flickr ( http://www.flickr.com/photos/perlacrespo/ ), en donde se ven aplicados conceptos de composición, velocidad y/o campo de profundidad. Estoy convencida que no sólo es importante la parte práctica para perfeccionar la toma de fotografías, también la teórica no se debe dejar de lado; fue sumamente indispensable la carga bibliográfica que se tuvo durante el semestre, la cual ayudo a reflexionar y comprender mejor de una manera más filosófica y artística la fotografía.

domingo, 1 de diciembre de 2013

ENSAYO sobre el libro: "El acto fotográfico" de PHILIPPE DUBOIS

Philippe Dubois hace una profunda reflexión sobre la fotografía y lo que ésta representa como un acto fotográfico.  La fotografía es considerada en el libro como una huella de la realidad y el autor explica a través de una serie de puntos esta afirmación.
 
     Primeramente habla de la fotografía considerada como espejo de lo real, es decir, el efecto de realidad que tiene una imagen está ligado a la semejanza que ésta tenga entre la foto y su referente, es por eso que, la fotografía era considera como la imitación más perfecta de la realidad. En el siglo XIX, se decía que esa capacidad mimética se lograba gracias a su propia naturaleza técnica, es decir, gracias al procedimiento que le permite a la cámara hacer aparecer una imagen de manera automática, sin que intervenga la mano creativa del artista.
 
     Para Baudelaire la fotografía era una simple herramienta de reproducción de lo real, una técnica; mientras que el arte era una creación imaginaria del artista.

     La fotografía considerada como transformación de lo real. Ésta argumentación se empezó en el siglo XX al ver a la imagen fotográfica como imagen de análisis, de interpretación, incluso de transformación de lo real. La foto paso a convertirse en reveladora de la verdad interior y no de la verdad empírica.
 
      La fotografía considerada huella de lo real, es porque la imagen está determinada por su referente: huella de una realidad. Dubois considera a la fotografía además de una huella de lo real, una categoría de pensamiento en donde la imagen fotográfica aparece como una huella luminosa fijada sobre un soporte bidimensional.
 
     Los índex son símbolos que le otorgan significado al objeto que está en conexión real con la fotografía, es decir que mantienen una relación con su referente.
     A lo largo del libro resulta importante destacar toda una serie de consecuencias teóricas que dan pie a que Dubois considere a la fotografía como una huella de lo real o índex.
     La singularidad de la imagen fotográfica resulta importante, como menciona Roland Barthes: “Lo que la fotografía reproduce al infinito no tiene lugar más de una vez, ella repite mecánicamente lo que jamás podrá repetirse existencialmente”; habla de la unicidad que tiene el referente sin importar que la foto sea multiplicable, ya que las copias se obtienen a partir de un mismo negativo, y ese negativo es la foto única.
     La capacidad de atestiguamiento que tiene una fotografía es tan grande que certifica, ratifica y autentifica; quiere decir que una fotografía atestigua la existencia de lo que enseña.

     Toda foto nos enseña el pasado y esta separación temporal hace de la fotografía una representación siempre diferida, entre el objeto y su imagen. El objeto desaparece en el instante mismo que se saca la foto.
     Dubois considera que en la fotografía se producen dos cortes fundamentales:
     El corte temporal: que es de elección única e irremediable, pues dado ese “clic” al obturador ya no se puede intervenir la imagen que se hace. La fotografía es una captación de imágenes instantáneas.
      A partir de este hecho se comienza a desarrollar la paradoja del instante fotográfico.
     De especial interés resultan las consideraciones que hace Dubois al ver  la fotografía como tanatografía, ya que analiza el corte temporal que existe dentro de la fotografía vista como acción. Esta tanatografía nos habla de cómo lo muerto puede expresar lo vivo en el acto fotográfico. Al seleccionar el instante exacto de la foto y guardarlo en álbumes a fin de preservarlo; se está matando para poder guardarlo y que viva para siempre.
     El corte espacial: se refiere a que el espacio fotográfico no está dado, a diferencia del pintor que tiene un bastidor como referencia sobre el que pinta; el fotógrafo, por el contrario debe de sustraer de un solo golpe todo un espacio, cortando lo visible.
      Lo que una fotografía no muestra es tan importante como lo que muestra; el espacio off, como lo llama el autor, siempre está marcado por su relación con el espacio elegido, es un ausente que se sabe presente, se sabe que estaba allí en el momento de la toma.
     Lo esencial, y hace hincapié Philippe Dubois es que al arrancar del mundo un pedazo de espacio, el acto fotográfico hace de éste un nuevo mundo, cuya organización depende del corte realizado.
     Dubois se mantiene más o menos en la posición de Roland Barthes con respecto a la consideración de la fotografía como huella de la realidad. Sin embargo, hace una serie de especificaciones como el considerar que la fotografía solamente funciona como huella en el momento de accionar el obturador; y solo antes y después de ese momento entran en juego distintos  códigos. Por lo tanto, Philippe Dubois considera que la noción de index o huella de lo real tiene una serie de límites. La fotografía no explica ni interpreta; solo busca lograr una fusión con lo real, es muestra de una afirmación de existencia pero no de sentido.
 
 
PERLA GARRIDO CRESPO
 
 

martes, 22 de octubre de 2013

ENSAYO sobre el libro: "La Cámara Lúcida" de ROLAND BARTHES

El libro de Roland Barthes: “La cámara lucida”, se puede dividir en dos partes, la primera donde el autor intenta distinguir porque unas fotografías le gustan y otras no, y la segunda viene con una reflexión en donde se plantea que es lo que hace que la fotografía sea fotografía,  y se encuentre separada de otras artes, ahí mismo Barthes llega a una conclusión interesante, clasificada  por Él mismo como obvia, y nombrada el noema de la fotografía es decir, el "esto ha sido".

     Barthes traslada su estado de ánimo a la teoría de la fotografía a partir de la experiencia de la muerte de su madre. Por ello, se puede decir que fotografía y muerte son los dos temas infranqueables dentro del libro.

     Toma como tema principal la muerte y la búsqueda de la esencia de la fotografía al reflexionar sobre el valor de la misma en el justo momento en que se produce la desaparición irreversible del referente provocando la muerte del sujeto fotografiado.

     Roland Barthes comienza con recordar que, lo que reproduce la fotografía al infinito únicamente ha tenido lugar una sola vez, es decir, la fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente. La fotografía lleva siempre su referente consigo, no hay foto sin algo o alguien y es precisamente esa adherencia del referente lo que provoca que haya una gran dificultad en enfocar el tema de la fotografía.

     Relaciona la fotografía con las Bellas Artes por medio del teatro en lugar de la pintura al decir que el fotógrafo mientras fotografía está sometido a varias sorpresas: lo raro, la proeza, las contorsiones de la técnica, el hallazgo o el inmovilizar una escena en un momento decisivo; “El fotógrafo es como un acróbata, debe desafiar las leyes de lo probable e incluso de lo posible, debe desafiar las leyes de lo interesante…”

     Barthes logra distinguir dos elementos dentro de toda fotografía y los nombra como: El studium: que tiene que ver con el gusto o interés general y El punctum: ese pinchazo o corte que sale de la escena y perturba.

     Hay que mencionar que existe un tipo de fotografía que, aunque posee el studium, puede carecer por completo de un destello de punctum. Es a lo que llama fotografía unaria: es decir, trivial sólo compositiva. En este grupo se pueden encontrar las fotografías pornográficas o las de reportaje. Mientras el studium está siempre codificado, el punctum no lo está y siempre es innombrable. Es por eso que algunas veces al ver unas fotografías aun siendo bellas no logran generar ninguna marca en los ojos ni en la mente,  tratándose  solo de escenas con falta de dualidad y aventura.

     En el libro también se abordan otras ideas relevantes a mi juicio, como la inmovilidad de la foto, que provoca una confusión entre lo real y lo viviente. Lo que está claro es que la foto es literalmente una emanación del referente. Toda fotografía es un certificado de presencia. Barthes desarrolla su idea de la fotografía como huella de la realidad, sin embargo, en el fondo, una fotografía se parece a cualquier cosa excepto a aquel a quien representa.

     En la fotografía se mezcla, de alguna forma, el pasado y el futuro. Cada foto es leída como la apariencia privada de su referente. Se ve a la fotografía como un medium, una forma de alucinación, una imagen no real barnizada de realidad y Barthes lo sustenta al creer que existe una especie de vínculo entre la fotografía, la locura y lo desconocido.

     Como puntos claves que establece en el libro la teoría de Roland Barthes se puede  destacar que principalmente busca la esencia de la fotografía, aquello que la diferencia del cine o de otros medios. Esa esencia que Él llama el Noema de la fotografía no es otra cosa que la afirmación que lo que está ahí se encuentra de manera necesaria: “la obstinación del referente de estar siempre ahí, su momificación, precisamente esa presencia fugaz es lo que dota a la fotografía de un contenido”.

     Queda claro que la fotografía, no es necesariamente un calco de la realidad, sino que puede desarrollar un lenguaje dentro de la imagen, un "esto ha sido asi, pero...yo lo veo de esta manera".

     El libro invita a una reflexión junto con el autor ya que habla de muerte, del paso del tiempo y de la nostalgia a través de la fotografía. Discute la fotografía fuera de sus límites técnicos, de una manera de interpretación mucho más afectiva y personal.
 
 
PERLA GARRIDO CRESPO


 

miércoles, 9 de octubre de 2013

¿QUÉ OPORTUNIDADES BRINDA LA RED EN EL ÁMBITO FOTOGRÁFICO?

Actualmente vivimos en un mundo que ha sufrido una total reconfiguración a nivel tecnológico y digital. Cada vez nos convertimos en dependientes de estas nuevas tecnologías de la información y la comunicación mejor conocidas como las TIC’s  que se presentan por los grandes beneficios que brindan. Se han convertido a una gran velocidad, en parte importante de nuestras vidas que no podría imaginar cómo transcurriría un día sin ellas. 

     La sociedad ha cambiado su nombre a una “sociedad de la información”, es tan sencillo el intercambio de información dentro de la red que resulta imposible tener el control de ella; por lo que, no pensaría en considerar el termino de plagio o derechos de autor y me inclinaría más por el termino de apropiación. Es decir, parece un poco absurdo el preocuparse a donde y en que manos llega la información que subimos a la red, en particular las imágenes o fotografías.  Se debe estar consiente que en el momento en que se decide compartir información sale del alcance el poder controlar hacia dónde va y que se hace con ella. Por eso mismo el principal problema que existe en este intercambio de información es la calidad de la misma. 

     Como suele pasar, todo cambio o innovación lleva consigo aspectos positivos o negativos, sin embargo, dentro del ámbito fotográfico han sido inmensas y bastante positivas las oportunidades que nos ha brindado la red. Conocer lugares a los que no tendríamos fácil acceso, ver a familiares que se encuentran lejos o tan absurdo como saber qué es lo que está comiendo o haciendo minuto a minuto alguien más; todo esto ha provocado una verdadera explosión de la red en la que gracias a ella no solo se ha agilizado el contacto entre personas sino que se vive con una información latente y fácilmente al alcance de cualquiera.

     Esta reconfiguración recae principalmente en la ubicuidad que existe, a nadie sorprende ya el estar informado minuto a minuto, comunicarse con personas que posiblemente se encuentren del otro lado del planeta,  ver un video  o una fotografía en tiempo real sin estar en el mismo sitio.
   


 PERLA GARRIDO CRESPO

martes, 8 de octubre de 2013

¿QUÉ PROVOCA QUE ME FIJE EN UNA FOTOGRAFÍA?


Debo confesar que siempre me había gustado la fotografía, esa capacidad de los fotógrafos para capturar un momento en una imagen y lograr que en ella se transmita acertadamente una  o varias sensaciones al momento de ser vista. Conforme ha avanzado el curso me doy cuenta que no solo influyen las decisiones técnicas para que una fotografía sea buena, también existe la sensibilidad del fotógrafo y el mensaje que quiera mostrar. Para ver una fotografía no basta con mirarla, hay que observarla para entenderla.
    
     Esa capacidad que tenemos de discernir si nos gusta o no una fotografía es una actividad que desempeñamos automáticamente. En el preciso momento de observar una fotografía decidimos si nos gusta o no. ¿Por qué?, no lo sabemos simplemente “hay algo” que nos hace ser atraídos por ella.

     Sin embargo ese “algo” existe y está latente en la fotografía, una serie de algoritmos que consiguen centrar la atención en un punto en concreto y nos mueven a decidirnos que sea de nuestro agrado.

     Al estar cada vez más familiarizada con términos como diafragma/obturador definitivamente mi cerebro trata de analizar esa parte técnica al observar una fotografía, ¿Cómo fue que el fotógrafo ensamblo la decisión de diafragma/ obturador para obtener ese resultado? Dominar el arte de centrar la atención es una de las suertes mágicas que tiene la fotografía y estos dos mecanismos son casi siempre los responsables. Hacer que una determinada fotografía resalte el motivo principal que se pretende fotografiar es concreto para que la historia que se desea contar sea clara, sin distracciones.

     Algo que indudablemente provoca que mi ojo como espectador se dirija a un determinado punto dentro de la fotografía es el peso visual que ésta tenga. Todos los contrastes que se encuentren atraerán la atención, ese elemento diferente guiara a que mi vista se dirija hacia él.

     El que ciertos elementos dentro de una fotografía estén o no desenfocados causa preguntas y curiosidad. Aunque, claro esto no quiere decir que una fotografía con gran profundidad de campo no guste, simplemente es una opción para llamar la atención.

     La composición es indispensable para fijarnos en una fotografía. Cuando las líneas maestras en una foto convergen en un punto, nuestra atención se centra en él. Logran marcar un camino seductor que transmite montones de sensaciones.

     Otro de los muchos factores que pueden existir para que guste o no una fotografía es la iluminación. Este último que menciono es de suma importancia, ya que con una iluminación acertada se puede generar cosas asombrosas que impacten y llamen aún más al espectador.
 
 
 
PERLA GARRIDO CRESPO


lunes, 16 de septiembre de 2013

PROCESOS FOTOGRÁFICOS

El día 30 de septiembre se ofreció la primera magistral del curso a cargo del maestro Andrea Di Castro dentro de las instalaciones de la ENPEG “La Esmeralda”. La magistral fue muy enriquecedora ya que se vio de manera cronológica la evolución de los procesos fotográficos a través de la historia. Se analizó como se debió pasar por distintas etapas y procesos que permitieron la evolución y el desarrollo, para tener la fotografía que hoy en día conocemos y utilizamos. Estos procesos fotográficos  a inicios del siglo XIX, son absolutamente asombrosos y demuestran que los primeros fotógrafos más que ser artistas eran unos verdaderos alquimistas. 

      El daguerrotipo fue el primer procedimiento fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año de 1839. Realmente el inventor de este proceso fotográfico fue Joseph-Nicéphore Niépce, al emplear en 1814 una cámara obscura junto con sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. En 1818 logra obtener  las primeras imágenes de la historia en positivo, aunque con ello sacrifica el poder de reproducción, ya que las imágenes eran imágenes únicas. Sin embargo, tras la muerte de Niépce, Louis Daguerre sé queda con los derechos del invento y lo da a conocer con el nombre de daguerrotipo, quitándole todo el mérito a Niépce como creador original.

 

Cámara para daguerrotipo, 1839.
Primer fotografía por Nicéphore Niépce
 










     Es interesando el conocer exactamente como fue el desarrollo de la fotografía, los inconvenientes que hubieron a lo largo de la historia y todos los experimentos que se lograron con el único fin de mejorar la calidez y la conservación de las imágenes.
     William Henry Fox Talbot, no consiguió pasar a la historia como el padre de la fotografía, pero si lo hizo como el inventor del proceso negativo-positivo, el cual finalmente llegaría hasta nuestros días y que en definitiva, una vez perfeccionado, supuso la base de la fotografía contemporánea. En 1841 llamó a este proceso calotipo, sin embargo, no tuvo mucho éxito al principio porque la gente seguía prefiriendo la nitidez del daguerrotipo.

Calotipo por Talbot (negativo y positivo)
 
     En 1842 surge otro procedimiento fotográfico monocromo, que conseguía una copia en color azul, llamado cianotipo. Sir John Herschel fue quien lo ideo, pero fue Anna Atkins la primera persona en emplearlo para ilustrar su libro: “British Algae”; considerada como la primera mujer fotógrafa de la historia. Este proceso se lograba al utilizar citrato de amonio y hierro y ferrocianuro de potasio; de su mezcla surgía una solución fotosensible a la luz ultravioleta. 
Cianotipo Algas por Anna Atkins 1843

Cianotipo Algas por Anna Atkins 1843    












  
     Era tanta la euforia por conseguir en un tiempo corto imágenes tan precisas y nítidas, superando a la anterior, que muchos se dieron a la tarea de continuar experimentando; es así como continúan apareciendo distintos procesos fotográficos como el colodión húmedo, creado en 1851 por Gustave Le Gray donde la placa en la que se obtenía la imagen debía de permanecer húmeda durante todo el proceso de toma y revelado. Este era uno de sus inconvenientes ya que el fotógrafo tenía que llevar consigo todo el laboratorio fotográfico, al igual que con el ambrotipo que usaba como base la técnica del colodión; descubierta en 1852 por Frederick Scott Archer y Peter Fry, sin embargo, sustituyo rápidamente al daguerrotipo por ser más rápido y económico.

Ambrotipo ingles 1860
     Continuaron surgiendo más procesos como el ferrotipo, el cual era una copia barata del ambrotipo que nunca alcanzo la calidad del daguerrotipo; todos estos procesos fueron indispensables para la evolución y la base de la fotografía. En estos tiempos tecnológicos en los que vivimos se dice que los días de la fotografía análoga  como se conocen están contados debido a la fotografía digital, pero actualmente siguen existiendo fotógrafos y artistas que continúan trabajando la fotografía en su modo tradicional con algunos de los procesos antiguos anteriores.
 
     Alguno de estos artistas son: Jayne Hinds Bidaut, Chuck Close, John Coffer, Adam Fuss, Mark Kessell, Sally Mann, Mark Osterman, France Scully Osterman, Irving Pobboravsky y Jerry Spagnoli, realmente sigue siendo muy interesante el poder ver sus estudios y la técnica con la que trabajan.
 
Perla Garrido Crespo