BILL VIOLA The Passing (1991)

Como se ha podido analizar a partir de los inicio del video, el videoarte no es exactamente cine en su expresión más literaria y no es hasta 1965 que el video cambia gracias a los artistas del videoarte junto con SONY que lanza al mercado el primer aparato de video portátil lo que facilita su manejo, generando así en mayor medida que antes artistas con interés sobre la nueva tecnología para utilizarla en su propia expresión.

     Bill Viola se sirve de la cámara de vídeo como si se tratara de un ojo casi espiritual, el cual buscaba mostrar la esencia de todo. En sus filmes, en especial en “The Passing” no encontramos una narrativa, porque para él no es importante que la haya, su interés va más por tratar de expresar un contenido o concepto.

     Conceptos que pienso, con totalmente personales. Puede que el video “The passing” genere en los espectadores desorientación tratando de entender o incluso de construir un orden narrativo lógico, lo cual es absurdo ya que es tan simple la propuesta de Viola en donde lo único que podemos ver es la belleza que nos plantea a través de imágenes, sonidos y  diferentes personajes.

     La obra contiene los elementos típicos de la vida, observada claro, desde un punto de vista estético; tanto acontecimientos hermosos como el nacimiento de un bebe hasta los más terribles desde enfermedades hasta la muerte de una persona adulta; completamente el ciclo de la vida.

     Lo que más impacta en “The passing” es toda la exploración y explotación visual que contiene, se muestran primeros planos confusos en los que la imagen se funde con el fondo. Las secuencias duran muy poco y a simple vista se podría decir que cada imagen no tiene sentido entre ellas, pero se disfrutan de manera global.

     Viola se sirve de algunos sonidos para crear diferentes y muy singulares atmosferas que crean nuevos mundos dentro de la realidad, por ejemplo, Bill Viola aparece durmiendo, su respiración es ruidosa a veces  se acelera y adquiere un ritmo más rápido, y en varias ocasiones el artista se despierta por un momento, para volver a dormirse después. Es decir, las imágenes principales se componen por lo general de situaciones sacadas de su vida cotidiana pero llenas de expresividad.

PERLA GARRIDO CRESPO

VIDEOS de GARY HILL

Los videos de Gary Hill logran captar y envolver la atención del espectador de una manera no solo física sino también psíquica.

     Gary Hill fue otro de los artistas que durante finales de los sesenta y principios de los setenta incursiono en la creación de videos los cuales fueron sumamente experimentales donde su mayor orientación era lo visual.

     En videos como “Mediations” de 1979 o “Processual Video” de 1980, Gary Hill juega muy seriamente con imágenes de figuras o formas abstractas en blanco y negro, con señales acústicas, y con el lenguaje hablado a través de largos monólogos que hacen pensar en relatos o soliloquios.

     El video “Mediations” capta la imagen de una bocina, conforme transcurre el video Hill agrega cada vez más arena hasta que su voz desaparece por completo, mientras que en “Processual”, solo se ve la imagen de una línea blanca dando vueltas sobre un espacio negro mientras que la voz de Hill continua de fondo.

     Trabaja con el carácter corporal del lenguaje, las imágenes y por supuesto con la parte técnica del video. Al ver los ya antes mencionados videos, se observa un equilibrio entre la imagen y el lenguaje los cuales aportan un significado.

     Los videos de Gary Hill son muy peculiares porque no solo moviliza un sentido en el espectador sino que la vista y el sonido, el lenguaje y la imagen juegan al mismo tiempo.

     Hill analiza aquellos mecanismos de la percepción cotidiana, esa relación que existe entre imagen/lenguaje utilizando medios electrónicos, elementos mínimos y básicos, es decir, completamente minimalista.

“Yo diría que mi obra trata más del cuerpo y del carácter físico del pensamiento que interviene en la tecnología” Gary Hill

PERLA GARRIDO CRESPO

MINIMALISMO

Ante los medios de comunicación de masas, los videos de Andy Warhol y el colorismo de su pop art surge el minimalismo, una corriente estética opuesta. En donde el espectador,  la individualidad de la obra de arte y la relación conceptual del artista toman importancia para su comprensión.

     Es en este momento particular de la historia del arte en donde nace el video experimental.

     El término minimalista refiere a cualquier cosa reducida a lo esencial, que se desprende de elementos sobrantes para utilizar solo lo mínimo. Los artistas de esta corriente intentaban reducir en elementos sus ideas o principios artísticos y reflexiones.

     El video arte se relaciona mucho con este término porque en su mayoría son obras con muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los ready-made de Marcel Duchamp.

     Unas de las características más importantes que se reflejan del minimalismo serian:

• Abstracción 
• Economía de lenguaje y medios
• Austeridad
• Orden 
• Geometría elemental 
• Precisión  
• Sencillez
• Concentración
• Elementos mínimos y básicos

     Artistas como Andy Warhol, o Marcel Duchamp buscaban la objetividad absoluta a través de la representación de las formas elementales de sus ideas. Es decir, reducían a lo más esencial un concepto para satisfacer emociones.

PERLA GARRIDO CRESPO

Andy Warhol - ART POP/VIDEO

Como se ha podido observar desde su origen el hombre ha recurrido a diferentes medios para poder expresarse  y el video llega para unirse junto con la fotografía y otra serie de manifestaciones artísticas que se estaban presentando en el mundo.

     Andy Warhol fue un artista que resalto entre muchos precisamente por eso, por atreverse a explorar en todas las manifestaciones culturales y/o artísticas; no sólo se destacó incursionando en el campo de la pintura o la fotografía, sino también trabajó en el campo cinematográfico; en donde le dio un vuelco al séptimo arte, demostrando que se podía realizar desde otra perspectiva que no fuera solo la comercial o de entretenimiento.

     Hechos ocurridos durante la historia de Estados Unidos, como el desarrollo industrial, la contracultura y el fenómeno del consumismo dieron las pautas principales para la creación e inspiración de su obra.

     Warhol comienza a pintar imágenes que destacan dentro del movimiento del pop art, “popular art”. El concepto se refería a imágenes de la cultura popular, es decir, de las masas, como la publicidad, la televisión o el cine.

     Cuando se adentra en el mundo del video, continua con la esencia del arte pop, y se puede ver una extensión bastante lógica de su obra plástica. Sus filmes podrían ser catalogados como un tipo de cine artesanal, donde carecía de un guion y de una estructura, lo que lo convertía en todo lo contrario al cine comercial y narrativo.

     Su cámara se colocaba simplemente en una posición. En ocasiones, empleaba de manera arbitraria el zoom. “Sleep” fue el primer film, donde dejó correr la cámara fija durante ocho horas frente a un hombre durmiendo.

     Sus films “Haircut” y “Eat”, desarrollan justamente las acciones del título. No muestran más de lo que es un corte de cabello y una persona comiendo, un cine totalmente experimental, donde utilizaba recursos simples como acciones cotidianas para expresar y hacer sentir emociones, experiencias o sentimientos, con un valor estético muy artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual.

“Mis películas son experimentales, tratan de las emociones de la vida humana. Cualquier cosa que tenga que ver con la vida humana está bien.” Andy Warhol

     Se relaciona la obra de art pop de Andy Warhol con sus películas porque en ambos medios aprovecha cualquier recurso que tuviera a la mano o que estuviera en su alrededor para incorporarlo en su obra.

“Todo el significado de mi obra está en la superficie, detrás no hay nada” Andy Warhol

Andy Warhol - Eat (1963)

ENSAYO: "ALTER-VIDEO" de Eugeni Bonet

Resulta casi imposible deslindar o separar el video de la televisión, existe una evidente relación en estos dos conceptos, sin embargo, mantienen una gran diferencia. No se debe confundir un medio de distribución ante un medio de comunicación; distinción que manifiesta Brencht y que resulta completamente acertada.

     Muchas veces se ha debatido sobre el temor de la pintura al poder ser remplazada con la fotografía, de este mismo modo se ha llegado a plantear una crisis del cine por convertirse en sustituto de la televisión, lo cual resulta poco convincente ante los ojos de quienes saben que no existe tal riesgo y tal crisis. Es como pensar que el cine ha desbancado al teatro y el teatro a la narración. Simplemente ha sido necesario uno para el surgimiento del otro, donde cada medio ofrece cosas y visiones diferentes.

     El video ha logrado tener diferentes áreas, entre ellas y la que surge enseguida es la relación video/arte. Así como resulta imposible afirmar que la fotografía, es decir, toda la fotografía es arte; de igual manera es erróneo pensar que el video es arte. Se debe dejar en claro que el video no es un arte en sí mismo, pero si es un medio que puede crear un producto totalmente artístico; el video no es televisión pero de ninguna manera puede ignorarla.

     Como suele pasar en todo descubrimiento, las primeras experiencias pre-video fueron única y totalmente de carácter tecnológico y formal. Su importancia radicaba en todas esas posibilidades que brindaba para la manipulación de imágenes. 

     El video-arte comenzó a experimentar en distintas tendencias, no solo en arte conceptual, performances o en minimalismo, sino, también en fluxus, movimiento artístico que buscaba adoptar diferentes medios y materiales, es decir, el lenguaje no era el fin, sino el medio. Siendo de esta manera el arte conceptual su referente directo, en donde a diferencia de Duchamp que introduce lo cotidiano en el arte con el ready-made, fluxus pretende disolver el arte en lo cotidiano.

     Las primeras experiencias del video-arte fueron en televisión, es por eso que de cierta manera se vinculan, al no haber podido existir una sin la otra. Sin embargo, esos primeros programas no resultaron exitosos ya que era lógico que no se lograría sacar al arte de su medio habitual para pretender llegar al pueblo de manera más directa a través de un medio de comunicación dirigido a las masas como lo era y es la T.V.

     El video-arte rompe por completo cualquier parámetro comercial que pueda existir en televisión. A diferencia de éste, el video-arte busca establecer una relación entre lo visual y lo conceptual a través de una narración o  imágenes.

     Mantiene un lenguaje completamente audiovisual, construido con una ruptura hacia lo convencional o lo “correctamente visto”, por lo que no se puede llegar a confundir con el video clip, el video documental o el video de ficción; al igual de no confundirlo con el cine que está dirigido principalmente para el entretenimiento a diferencia del video arte en donde inclusive puede no ser necesario un dialogo, actores o simplemente tener una narrativa o guion.

     La primera aparición del video-arte en una galería fue con televisiones y video-tapes de la mano de Paik.

     Gracias a los equipos portátiles de video fue como muchos artistas pudieron empezar a utilizar este nuevo medio y también se pudo empezar a comercializar a través de los video-tapes. Los primeros films o videos no tenían un principio ni un fin establecido, es decir, podía estar corriendo la cinta y poder empezarlo a ver justo en ese momento sin problema por lo que, se empezó a decir que ese tipo de videos (video-art) resultaban sumamente aburridos y no se lograba ver toda la cinta por más de cinco o diez minutos. 

    

     Lo cierto es que esto sucedía y con mayor frecuencia en los inicios del video arte porque el público no estaba acostumbrado a ver ese tipo de cosas en donde se le exigiera una comprensión intelectual y no solo de entretenimiento. El performance/video o el video/art no buscaban que su comprensión fuese de fácil lectura, al contrario este tipo de expresiones buscaban generar un discurso individual y abstracto en las personas, el cual se lograba solo en un pequeño grupo selecto porque en su mayoría no comprendían y les atraían más discursos públicos o populares de medios de comunicación masivos que no les exigían ningún esfuerzo intelectual. 

     La invención del videocasete en 1972, fue un parte aguas que ayudo a que existieran nuevas manera de difusión de la imagen. No era suficiente con que las transmisiones que se empezaban hacer en televisión fueran en directo; al llegar el videocasete en ese momento ya se permitía ahora grabar los programas así como comprar películas o documentales.

     De esta manera con el texto de Bonet podemos analizar como fue el surgimiento y la evolución de estos medios que a final de cuentas son herramientas que se han sabido utilizar para poder brindar diferentes posibilidades de expresión según el objetivo o interés que se tenga; desde la televisión que dio lugar al video y este a su vez al video-art con su primera introducción en las ferias de arte, posteriormente en grandes muestras, museos o centros culturales hasta lograr consolidar actualmente un departamento dedicado especialmente al video en museos.

PERLA GARRIDO CRESPO